Fin de curso y notas puestas. Aun que ha sido un año de mucho trabajo ha sido un placer estar en clase con todos vosotros, tanto con los que ya conocia como con la gente que he conocido este curso.

¡Feliz verano merecido y buen futuro a todos!

Cyrus

CREACCIÓN

Creacción es el título del happening realizado el 13 de mayo de 2010 en el centro urbano de Salamanca. Mediante el cual se trata de mostrar que el verdadero sentido del arte reside en el disfrute de la creación artística, no en la contemplación de una obra de arte. El arte no se entiende como una manera de ganarse la vida, sino como un modo de vida, una manera especial de vivir, por lo que el arte tiene sentido en cuanto a filosofía de vida. Como el ser humano tiende a la búsqueda del placer, en este caso el arte sirve para hacer el mundo más llevadero, convirtiéndose en un mecanismo de expresión, en el que priman las ideas de disfrute, juego y experiencia.

Para mí lo verdaderamente interesante y con lo que disfruto es con el proceso creativo, por lo que se intenta mostrar este acto al mayor público posible, invitándole a intervenir y disfrutar también de la experiencia creativa.

La premisa empleada es la pintura de acción, puesto que el acto de pintar lo encuentro de lo más satisfactorio y divertido, a demás que es un lenguaje sencillamente reconocible para el ciudadano más o menos conocedor del las artes de acción, que de improvisto se encuentra con este happening.

La idea es mostrar a la gente todo el proceso que puede seguir cualquier artista actual, a la hora de ejercer su labor artística. Proceso que se muestra en cuatro sencillos pasos: formación de un grupo artístico, creación de una obra, exposición de esta y finalmente su venta.

DESARROLLO DEL HAPPENING:

En principio, un conjunto ocho artistas, vestidos todos con unos monos blancos, salieron desde diferentes puntos de la ciudad, para encontrarse todos ellos en la Calle Toro, de Salamanca. En este momento se reconocen como artistas con cualidades e inquietudes similares, que les llevan a formar un grupo. Como representación de las dificultades que tiene cualquier artista joven para desarrollar una actividad artística de manera individual.

Una vez formado grupo, se realiza la obra de arte conjunta, en la que se pintan unos a otros, mostrando el acto pictórico como una acción divertida con la que todos los artistas disfrutamos, pero siempre se queda dentro del taller y casi nunca se muestra al espectador. Ese acto entendido como auténtica razón artística, a la que se invita al espectador a ser partícipe de ella.

La energía del momento hizo que tras finalizar esta segunda parte, sin que estuviera premeditado, dedicásemos un tiempo a interactuar con el entorno urbano y con la gente, realizando juegos, bromas, imitaciones y demás gags más o menos humorísticos.

A continuación se realizó la exposición de la obra en la Plaza Mayor. Como en esta fecha coincidía con la Feria del Libro, se aprovechó la nueva fisonomía de la plaza para exponernos en el escenario que estaba allí instalado, así como en lo diferentes estands y en los bancos y farolas.

Al situarnos en un lugar elevado, a modo de podio, es cuando adquirimos la presencia de una pieza artística, y al colocar el cartel con la ficha técnica, es cuando la obra es legitimada y considerada auténtica “obra de arte”.

Finalmente las obras fueron “vendidas” gracias a la colaboración del público. Y tras la venta de todas las obras el proceso artístico y el happening dan a su fin.

Esta última parte, se sirve de la ironía para teatralizar el acto de vender una obra de arte. Puesto que concibo el arte como un modo de vida, el acto de vender una obra de arte se consideraría, en cierto modo, una venta del propio artista como persona. Por lo que en esta parte del happening es donde se muestra mi visión crítica hacia el arte y la sociedad en general.

Entre la vida y la muerte: el espacio , el tiempo

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Investigación sobre el ser humano y la naturaleza, que deriva en tres piezas artísticas. 

Anish Kapoor

 


El Guggenheim de Bilbao trae una nueva exposición temporal, se trata de una serie de obras del artista de origen hindú Anish Kapoor, para lo que no podréis ir, en este vídeo se ve todo el proceso de instalación (nada fácil) y como ha quedado al final.

Propaganda

Para todo aquel que me conozca, vera muy evidente que mi trabajo personal tenia que tratar sobre el periodo de la 2ª Guerra Mundial. En este caso me he querido centrar en las consecuencias de la Propaganda alemana de este periodo.

La manera de exponer mi trabajo ha sido por medio de fotografías que ilustran en cierto modo la vida de un soldado (ficticio) alemán llamado Fritz Manchen. En el album de fotos aparecen muchas imágenes que reflejan consecuencias irónicas de la brutal campaña progandística nazi, o crudas instantaneas de la brutalidad antisemita...etc.

Como son 41 fotografías las que componen este album, pondre simplemente un par de imágenes de cada uno de los 4 grupos en los que esta dividido.

AMISTAD

Que irónico que Hitler y sus secuaces odiasen tanto a los comunistas como a los judios, pero tuvo lugar un pacto germano-sovietico previo al estallido de las hostilidades entre ambos.

ERÓTICA DEL PODER

Como es obvio, la Propaganda tenía un efecto sobre el público en general como el que puede tener una estrella famosa sobre unos fans histéricos. El ensalzamiento de un único lider, un uniforme, una insignia...etc. Pero la grán mayoria no veía la terrible verdad que se ocultaba tras todo eso.

DEUTSCHE 1942

Con este título las fotografías se remontan al sño 1942, en la que los alemanes estaban pletóricos ya que todas sus batallas terminaban de manera favorable para ellos. Pero por desgracia también fué uno de los peores momentos para la población judia. Pero la ironía de los romances entre nazis y judios también existian a pesar de la campaña de odio hacia ellos.

DEUTSCHE 44-45

Llega el momento en el que el "Imperio de los mil años" cae. En estos años es cuando los gerarcas y militares de alta graduación en su mayoria, recurieron de manera cobarde al suicidio, ya fuera pegandose un tiro, mordiendo una capsula de cianuro, inmolándose con una granada...etc.

He querido añadir también una foto en la que aparece una imagen que todos hubiésemos querido ver. ¿sabeis cual es?

Es el fin de Fritz Manchen

Mirando y aprendiendo de los errores del pasado, conseguiremos que no se vuelvan a repetir en el futuro.

Es una frase muy inteligente, pero lo cierto es que no se si se aplica. Yo espero que si.

Vestiario

Proyecto 03, Las costuras de sexo

Insensibilización por repetición

La búsqueda de la felicidad está supeditada a las emociones, y ese control que se nos escapa de las manos se ve en manos del mundo que nos rodea. Se nos bombardea con imágenes y sentimientos terribles y al instante siguiente, esa horrible sensación desaparece de nuestras mentes. Ya sea por la tendencia de los medios a la banalidad absoluta, o por la desproblematización del mundo que se crea en nuestras mentes, logramos, gracias a la costumbre, continuar nuestras vidas y superar, en mayor o menor medida, los obstáculos que el dolor nos plantea.

¿Por qué unas personas son más sensibles que otras?, ¿a qué se debe que a mí algo me cause un sentimiento concreto, mientras que el que está a mi lado, viendo, lo mismo siente otra cosa diferente?. La fuerza de la costumbre hace que lo que vemos como extraordinario pase a ser, con el tiempo, mundano e insignificante. La normalización de la tragedia es un proceso por el que todos y cada uno acabaremos pasando.

Made in...

"Made in..." es el inicio de una serie que critica los mitos prefabricados. Estrellas de la música o el cine, jugadores de fútbol, conocidos escritores o directores de gran renombre se crean hoy en día con el fin de influir en las masas, pensados y diseñados para vender. Pocos de ellos se encumbran de manera justa, ganándose el puesto y adquiriendo verdaderas aptitudes de ídolo de masas. La mayoría de lo que nos rodea y que presume de haber surgido de forma espontánea ha sido creado para que pensemos así.

Fundición

Este proyecto comienza con la elaboración de un horno casero hecho de hormigón refractario que nos servirá para fundir en el metales de baja densidad. Tras desarrollar una técnica experimental para la elaboración de moldes a base de grafito y moloquita, se realizaron una serie de figuras con cera, en torno a las cuales se conformó el molde y que posteriormente fueron introducidas en el horno para que se derritiesen y dejar así el molde vació, que luego seria rellenado con el metal fundido. 

Este trabajo fue una sucesión de retos, puesto que todo fue pensado y creado de manera original, y el resultado ha sido una innumerable conatenación de pruevas y experimentos que han resuelto en una tecnica viable y hasta cierto punto efectiva.

Land Art

Esta tendencia de construcción terrestre, que utiliza elementos de la naturaleza para la consecución de obras de arte, y que ha adquirido notoriedad en la segunda mitad del siglo pasado, es el punto de referencia de este nuevo trabajo.

Este proyecto surge para se la intervención en un espacio con motivo de la enfermedad de la “grafiosis”, que asoló, así por completo, la población de olmos. Así mismo, comparo la plaga de la grafiosis con la “plaga” de la raza humana, puesto que ambas especies se acercan, al destruir el entorno del que se nutre, a su propia destrucción.

Arsintes

Este magnifico juguete que recuerda a Tangram consigue hacernos pensar y componer de una forma muy instintiva. Propuesto por Ángel Ferrant, ya en 1030 era una creación constructiva. Ejercicio de boceto rápido que pone a prueba nuestra capacidad creativa, de experimentación con diferentes materiales y nuestra reacción ante estos problemas.

Jaume Plensa

Uno de los escultores españoles más internacionales y originales. Su trayectoria artística manifiesta una evolución de formas a veces contradictorias, que nos revelan a un artista insatisfecho, en constante búsqueda de medios para expresarse. Plensa realiza uno de los ejercicios más complejos que puede hacer un artista, es decir, plasmar en sus esculturas sus pasiones, más allá de la técnica, la estética resultante, las modas o las opiniones.

Este escultor logra algo que, en mi opinión, es una de las cosas más difíciles de conseguir en los tiempos que corren. Consigue sorprender, cautivar y sobrecoger haciendo obras e gran belleza. Habitualmente, la obra bella suele estar carente de significado o fuerza, por lo tanto se queda en el intento y el ser bonita es un problema, pero Jaume Plensa logra conjugar belleza y potencia dando importancia solo a lo que el considera importante. Escultor de moda pero exento de la moda, imperturbable mantiene sus obsesiones, fruto de su trabajo y, en gran medida, de su éxito.

Erotismo o invención

Erotismo, sexualidad, sexo, pornografía... estos términos se solapan, hoy en día, en nuestra sociedad, todos tenemos en mente una idea cuando hablamos de esto, pero rara vez tenemos una diferenciación clara entre unos y otros. ¿En cuantas ocasiones dudamos entre un término y otro?, ¿como de clara esta la linea entre erotismo y pornografía?, ¿es el erotismo algo anterior al hombre o lo hemos inventado para satisfacer nuestros instintos sin perder el pudor que nos impone la sociedad?. Toda esta confusión se refleja en mis imágenes, donde los mensajes de forma y contenido se superponen aumentando la confusión del espectador.

Anónimo

Esta nueva poesía visual refleja lo vació de corazón que puede estar una creación. Obras sin sentimientos hechas por encargo y que reflejan solo las ideas pensadas para cumplir. Relaciono así la idea de trabajo por encargo con la de prostitución, un trabajo realizado no por elección propia si no para cumplir lo acorado, sin intención, sin ganas ni sentimiento.

El objeto encontrado

Mi proyecto lo que busca y plantea en primer lugar es aprovechar los materiales de desecho de una manera artística, como otra manera de reciclar. Por qué lo que una persona tira, es muy probable que otra la quiera o la necesite, esto no lo digo yo solamente, ya que he estado en mercadillos en los que se vendían cosas de segunda mano que la gente no quería y que iban a tirar, puedes encontrar muchas cosas de utilidad y de una belleza sorprendente si sabes buscar.

Otra de las ideas que planteo y busco, es la de convertir un objeto desechado de la vida y que en principio no tiene ningún valor ni económico ni practico, darle un valor y una utilidad, la manera para conseguir esto no es otra que la de convertirlo en arte. Quiero que la gente con la que voy  a realizar el proyecto busque y seleccione de entre los escombros los objetos que le parezcan bellos, útiles, raros, feos, sorprendentes, asquerosos, etc. Creo que la selección de un objeto por muy banal o sencilla que pueda parecer aunque sea una elección rápida, es una cosa muy seria, no todo el mundo ve la vida de la misma manera ni tiene la misma sensibilidad, dependiendo de esto y de su estado de ánimo hará un tipo de elección distinto. Lo mismo que no es igual ir al mercado un día contento que un día triste, la cantidad de chocolate adquirida varia considerablemente, de la misma manera que si vas de compras con hambre o sin ella.

Lo que busco es la representación sensible de los participantes, quiero captar la esencia de cada persona  en la obra, esto no lo voy a realizar yo, sino que ellos sin saberlo se retratarán así mismos a la hora de elegir dicho objeto. En el acto creativo se transmiten sentimientos primitivos que forman parte del “yo” más interno representando el alma de cada persona, la importancia del objeto emocional es lo que buscamos y mediante esto y por ello es por lo que el objeto se convierte en arte.

Pepe Espaliú

Libro de Caín

Un cuento para artistas

“Caín y Abel ofrecían su regalo a Dios. Los unos llegábanle convertidos en humo blanco, los otros desaparecían en humo antes de llegar. Abel tenía una visión seráfica del mundo. Para él todo era claro, limpio, ordenado y lógico, y en consecuencia su vida también lo era. Se levantaba temprano, y con el sol se iba a trabajar, plantaba los frutos más benditos y todo lo ofrecía a Dios. Por la tarde reposaba en los pastos junto a sus ovejas. Miraba hacia el cielo, enamorado de Dios. Era un idilio, de los de siempre…, de los que acababa bien, del yo te quiero y tú me quieres…

Caín era un hombre  tortuoso. Su mundo era otro mundo. Nacía con la noche y estaba enamorado de la luna. Era un ser selvático y violento, un hijo de Saturno, pero también quería a Dios. Y así ofrecía su noche… espinos y ratas y escorpiones, animales de la noche que quemados  despedían un terrible olor, y ese humo negro subía al cielo, se quedaba allí con él, en esa oscuridad y esa pobreza. Caín vivía y nada quería saber de familias, ni de orden, ni de ejército. Caín era un artista. Él sufría día atrás día viendo como Dios amaba a su hermano, cómo lo mimaba, cómo bajaba del cielo y reposaba su cabeza en su hombro. El estaba al otro lado, siempre observando y celoso. Un día tramó una venganza. Y así, inesperadamente, cogió la costilla de un asno y le abrió la cabeza a su hermano. Una sangre pura emanaba a borbotones y corría, recorriendo poco a poco la tierra entera. Esa mañana Dios, al despertarse, miró con horror la tierra ensangrentada y gritó… “Caín, ¿Dónde está tu hermanos Abel?” Pero Caín corría y perseguido se convirtió en un forajido. Caín sigue huyendo hoy, y en su huida ha dejado tras de sí los cuadros más tristes, las esculturas más siniestras, la música más triste, la poesía más negra, los dramas más tortuosos, pero siempre de amor.

Hoy Caín está muy cerca de mí, y me trae una mirada horrible y nueva, es una maldición… es un virus y lo llaman sida. Con él, descubro lo más terrible, cómo la muerte te mantiene en vida; cómo la vida te hace morir.”

Land Art

La obra es un recuerdo una especie de ultimo funeral hacia esta especie, respetando además la creación que realizaron otros artistas y su manera de llevarla acabo. 

La obra consta de dos elementos, estos son por un lado los troncos y por otro las sombras.

Voy a juagar con dos ideas una es la sombra y la otra es utilizar los propios olmos que ya están, pero como se están cayendo los partiré y con los pedazos reconstruiré de nuevo los troncos  que nos recuerdan la vida del olmo. Por otro lado crearé una falsa sombra eliminado la hierba de donde iría dicha sombra, y dejando la arena negra que hay debajo.

Bien para crear los troncos de los arboles, y ya que los que hay están a punto de caerse, quiero llevar a cabo el derribo  de lo que queda de los árboles y cortarlos con moto sierras dejando una serie de tocones, con los restos formaremos de nuevo los troncos como una especie de tótem o como si fuese la cruz de un cementerio. Durante el montaje de los nuevos totems se entremezclaran unos árboles con otros formando en cada nuevo poste un recuerdo a varios de ellos a la vez.

Por otro lado está la construcción de las sombras de los arboles. Estas sombras pretenden reflejar lo que en su día fue un olmo y la frondosidad de sus hojas. Para lograr este efecto retiraremos el césped de esta zona dejando la arena negra en su lugar, la cual dará un claro efecto de sombra.

Con estas dos cosas se creará una clara ironía de la realidad, ya que un poste hecho a base de varios tocones de distintos árboles no puede tener la sombra de uno de ellos.

Meaking Beach

Lo que quiero expresar con esta pieza es la crítica hacia las construcciones absurdas que se realizan en el planeta. Éstas debilitan el ecosistema dejando graves secuelas en él. Mi idea es crear un hábitat en un edificio, como llamada de socorro hacia el cambio climático y un mayor respeto por la naturaleza. El ecosistema elegido es la costa, basándome en Benidorm, la cual me parece una ciudad erigida en la misma playa. De hecho encontramos edificios en la propia arena. Hoy en día el ansia por disfrutar de la naturaleza mediante comodidades nos está llevando a destrozarla. Podríamos pensar que mucho de lo que proyectamos, como el caso mencionado arriba, es inviable y absurdo, sin embargo se lleva a cabo. Por eso yo loco una playa dentro de un edificio, lo que a primera vista puede parecernos absolutamente imposible; aunque comparándose con ciertas ciudades españolas, como Valladolid que tiene una playa artificial a la orilla del río, no es una idea tan descabellada.

La manera de representar la construcción y como elemento principal de la obra colocaré 230 sacos de arena en unos palets, acompañados de un casco y una pala, dando a entender que se está realizando una reforma. Posteriormente iré vaciando poco a poco dichos sacos, hasta formar la playa, en la cual instalaré una silla y una sombrilla; estos elementos afianzan de una manera más firme la idea de playa y además hacen una clara referencia al ocio y la despreocupación, sin olvidarnos de la presencia del hombre. Cuando la playa esté terminada conservaré  un pequeño número de sacos y la pala, elementos clave de la construcción, que además proporcionarán una continuidad a la obra. Al mismo tiempo damos a entender que sigue en continua evolución.

El objeto erótico

Lo que yo planteo con este proyecto es el generar un cambio de ideal erótico similar a lo que hicieron los dadaístas dando mucha importancia a las máquinas. El mundo en el que vivimos está plagado de dichas aparatos y cada día más, y lo que planteo es una reflexión sobre ello.

Esta maqueta sería la primera de una larga serie que expresase tres cosas distintas, por un lado los órganos masculinos, los femeninos y por ultimo el sexo entre ambos.

Para esta primera pieza he elegido un grifo, como gran representante de los atributos del hombre, ya que en él se puede apreciar muy claramente el pene y los testículos.

Como ya expliqué en la parte de iconografía contiene la recta o rectitud que es un claro símbolo masculino.

Lo que representa los testículos los he querido representar de una manera triangular para que también represente el carácter femenino como contraposición.

POSTMODERNISMO: EVA LOOTZ.

Como todos hemos hecho una investigación sobre el Postmodernismo, directamente iremos al grano para presentaros a la artista autríaca Eva Lootz, quien desarrolla su actividad artística dentro del territorio español.
A grandes rasgo, esta artista trata las ideas del lenguaje, la materia y el tiempo. Recurre constantemente a materiales con capacidad de fluir y transformarse en una secuencia de tiempo, como la arena y elementos líquidos. De esta manera los materiales son una metáfora del tiempo, que hacen referencia a la evolución y origen de las cosas, así como de la huella que deja el paso del tiempo, de una manera muy poética.

Eva Lootz mediante una conexión idílica entre materia espacial y pensamiento, por medio del lenguaje, crea unos paisajes mentales. Unos espacios sensoriales y envolventes, en los que últimamente juega un gran papel los recursos sonoros.

Estas son dos de sus obras más conocidas:

"LA LENGUA DE LOS PÁJAROS"

En esta instalación convierte el Palacio de Cristal de Madrid en una gran jaula donde el espacio se transforma en una casa, como territorio del recuerdo y hogar de la lengua materna. En ese diálogo imposible establecido entre los pájaros y el hombre, que a través de sus melodías quiere volar y ser libre, dentro de un espacio paradójico como es una jaula.

"NOCHE, DECÍAN"

El paso del tiempo hace que los bloques de hielo seco desaparezcan, originando la forma de un 8 en hueco. De esta manera pone de manifiesto la extraña relación fonética que hay entre las palabras NOCHE y OCHO, en los distintos idiomas indoeuropeos.

¿Estás leyendo? Sí, mamá.

Este libro aparece como si estuviera intervenido por un niño, que tomando el libro que posiblemente en su casa nadie leería, lo transforma en una caja secreta de juegos.
Este libro, al que se le atribuye una utilidad distinta a la habitual, nos ofrece un recuerdo notálgicode aquel niño que todos hemos sido, y que todos llevamos en nuestro interior

OPHIOSTOMA

El vínculo que une al hombre con la naturaleza es fundamental, es el trasfondo de nuestra actividad como ser humano. La naturaleza, como esa madre que en otras épocas se veneraba y que hoy en día tanto apreciamos, pero al mismo tiempo la detestamos, la adoramos y destruimos. Desde el nacimiento hasta la muerte, hallamos en la naturaleza los polos opuestos de la gracia y desdicha de la vida.

En nuestra vida no nos conformamos meramente con sobrevivir, sino que nuestra ambición nos lleva a explotar la natura y poseer el paisaje, en el que sin dudarlo un momento inscribimos nuestra huella, transformando y modificando el espacio en el que nos hallamos.

La relación del ser humano con la tierra es muy compleja, ya que siendo conscientes de la imperdurabilidad y del poder de la naturaleza, tenemos el coraje de luchar y agredirla por obtener cuanto deseamos para vivir cómodamente. Pero más compleja es la relación del artista y la naturaleza, que en su afán de exaltarla la transforma a su antojo, para obtener una obra de arte y un goce personal.

La obra que titulo “Ophiostoma” trata de reflejar esa dualidad que se presenta en la relación del ser humano con la naturaleza. Por un lado la necesitamos para sobrevivir pero por el otro somos tan sumamente egoístas que la destruimos, sin pararnos ni un momento a meditar que su devastación es el primer paso para nuestra propia destrucción.

Para expresar todo esto empleo la grafiosis y el olmo como metáfora de la raza humana que es un parásito para la tierra. Se nutre de ella, la trabaja y explota para vivir, pero los recursos naturales tienen un límite que algún día se agotarán y todo se volverá en contra nuestra. De esta manera la destrucción de la naturaleza, es la propia autodestrucción humana. Y es que la tierra es igual que el olmo, es robusta y fuerte en su esencia, pero al mismo tiempo vulnerable y necesita de una constancia para su perdurabilidad, sino se vuelve frágil y quebradiza.

ESPACIO CONGELADO

Una instalación artística compuesta de marcos vacís nos hara´n reflexionar acerca del espacio, el espacio concreto de la Sala de Arte Experimental de la Hospedería Fonseca, y la relación que establece con el hombre. Puesto que cada persona que visita la sala, no solo debe ser consciente del lugar que ocupa en la sala, que la recorre con mayor o menor lentitud, sino que debe dejar a un lado ese antropocentrismo innato que poseemos, para disfrutar de esta pequeña porción de espacio que la sala encierra. Una habitación con gran encanto, debido a las particularidades arquitectónicas que posee.

En el lenguaje coloquial hay una frase hecha que dice: “las paredes escuchan”. Pues en este caso, somos nosotros los que tenemos que observar y escuchar todo lo que las paredes de la sala han escuchado a lo largo de la historia. Aunque hay que matizar, que en esta instalación es el suelo, y sobre todo la bóveda del techo los que “hablan”.

Esa bóveda de mampostería, cuyas piedras están sin cortar, tal y como han salido de la tierra, alzadas al techo como un auténtico monumento. Se me antoja establecer una relación con los monumentos megalíticos, en los que se alzan piedras enormes sin cortar, puesto que en la prehistoria posiblemente tuvieran algún sentido divino, no por poseer alguna virtud intrínseca, sino por su aspecto externo. Y es que las piedras están talladas por el sol, la lluvia, el viento y las fuerzas mismas de la tierra que las han dado forma y color. De esta manera cada piedra tiene una vida, una historia que contar, tal y como ocurre con cada piedra de la bóveda observada a través de los marcos. Un poco como la reinterpretación en forma de arte del pensamiento platónico: la gracia de las formas consiste en que ellas expresan, en el seno de la materia las cualidades del alma.

En este caso las piedras de la bóveda es la materia, que nos habla y nos llega al alma. A su vez, estas piedras colocadas en el techo generan esas bellas contradicciones de la vida: suelo-techo como alegoría de la tierra y el cielo, sombra y luz, vida y muerte. Esas paradojas que nos hacen reflexionar sobre nuestra existencia y que tantas veces se ponen de manifiesto por medio del arte.

Entre la vida y la muerte: el espacio, el tiempo

Entre la vida y la muerte: el espacio, el tiempo. from pajarita pajara on Vimeo.

Este proyecto artístico no pretende tener un fin material, sino que lo importante aquí es la experiencia generada en un lugar y un entorno en una porción de tiempo determinado.

Se trata de una fusión de la naturaleza del ser humano con la naturaleza humanizada a través de un diálogo ejecutado por medio del espacio tiempo.

El hombre ha nacido y se ha desarrollado en un espacio, el natural, y él mismo se ha encargado de desnaturalizarlo al humanizarlo. Por este motivo, el ser humano muchas veces pretende volver a sus orígenes, se trata de una historia de dominación y lucha pasional ya que la naturaleza domina al ser humano y viceversa. Razón de más para que el arte trate este asunto, debido a que la naturaleza en sí misma es un espejo que muestra lo que son las artes y las ciencias. Esta relación se trata de un diálogo, una adaptación, una transformación del medio y del entorno a través del ser humano, ya que el arte no es más que lo natural que pasa por las manos del hombre, la naturaleza opera a través de la voluntad de un hombre colmado por la belleza de las obras de la misma naturaleza.

EL PROCESO

Partiendo de la importancia procesual  que le doy a este asunto, creo conveniente advertir, que para mí la pieza final no son las fotos o los vídeos que haya realizado, estos son una simple consecuencia del acto.

Para explicar las analogías y metáforas que uso en la pieza, creo conveniente explicar que el sitio elegido para el proyecto artístico tiene determidas cualidades que lo hacen especiales, ya que se ha desarrollado en “El Bosque de Olmos Secos”,  una creacción artística que utilizada elementos naturales muertos (los olmos), y que en este momento está volviendo a morir como pieza artística.

 Los  elementos más importantes son lo siguientes:

El ambiente

Para la pieza he tenido en cuenta el valor simbólico del lugar, un sitio fronterizo entre el medio urbano  y natural, un lugar que no puede ser urbanizado debido a su proximidad al río, por lo que si éste no estuviera allí ese lugar ya no sería natural  y el hombre se habría apoderado de él en su totalidad. De forma que la naturaleza está poniendo sus propias normas.

El sujeto – cuerpo

El olmo seco dos veces muerto funciona como el cuerpo del ser humano desnudo, su tronco amputado sin ramas, sin adornos, se ha quedado en lo esencial, ahora es el recuerdo de algo  que un día tuvo vida, pero que se niega a morir realmente. El ser humano actúa de igual manera, se niega a aceptar el paso del tiempo y a los cambios que le establece la naturaleza.

El hueco

El vacío que quedan los olmos muertos ya en su totalidad es representado en forma de hueco, es la cavidad que albergaba y mantenía al árbol en pie. Es el recuerdo de lo que allí hubo, ya muerto pero que en parte seguía latiendo vida, una vida recordada en forma de arte.

  

Partiendo de estos puntos, se han realizado dos intervenciones:

 La primera es objetual, que consiste en la colocación de 700 piezas constituidas por trozos de planos urbanísticos unidos a un palo de madera clavados en el suelo. Este intervención hace alusión a las hojas que estos olmos no tuvieron en el momento en que murieron, son sus adornos que el tiempo y la muerte les quitó para mostrarlos desnudos en su esencia. Estas piezas parecen cubrir el suelo con  un manto de hojas que no lo tocan, pero que lo ocultan, al igual que sucede con el hábitat urbano que el ser humano planta sobre la tierra. Este manto blanco, es perecedero con el paso del tiempo y es susceptible al viento, parece que van a echar a volar libres, pero en realidad hay algo que les ata al suelo. El material elegido, el papel y la madera, no es realmente más que pedazos de árboles muertos tratados por el ser humano.

 La segunda es más bien una experiencia: consiste en una analogía del cuerpo humano desnudo con el cuerpo del olmo muerto, los dos evolucionan con el paso del tiempo y están situados en un espacio concreto. Los cuerpos están interrelacionados directamente con el tiempo y el espacio, tienen el suyo propio, aunque están en un estado de devenir constante, son en realidad flujos. Estos cuerpos son constantemente seducidos, violados, constantemente sepultados y restaurados.

El proceso trata de que el sujeto analice e interaccione con la naturaleza, pero no desde su afirmación, sino desde su negación, su muerte, su sustracción; desde el hueco, el vaciado de la materia como forma, ausente, vacío. Desde el vacío se puede contemplar su existencia.

Se aborda la fisicalidad del objeto desde su invisibilidad, desde su ausencia como naturaleza y su presencia como vacío.

Para ello, el sujeto, se mete en la piel del árbol, se siente desnudo, como él, y va situándose en el espacio en su misma situación, se sitúa junto a él en cada uno de ellos, y cree sentirse un cuerpo muerto en el momento en el que se tumba junto al cuerpo y se desborda sobre la tierra.

 La importancia de este proceso recae en la reflexión que realiza sobre el ser humano y el medio natural partiendo de la propia experiencia. Demuestra que el acto artístico en sí puede ser más importante que el resultado final, que es una mera consecuencia del acto, disponible para comercializar, pero con la experiencia que asume el artista al realizarlo jamás se puede comerciar, sólo podrá poseerlo aquel que realice la acción, y esa sensación casi de trance que proporciona la experiencia creativa jamás nadie la podrá volver a tener, ni si quiera ella misma, ya que el espacio, el tiempo, la naturaleza y el ser humano en sí evolucionan, es parte del la evolución cíclica del fluir natural del mundo.

En la realización de este proyecto han colaborado Andrea García y Manuel Fernández (imagen), y Tomás Miguel Lúpia (sonorización).